Change of State
or for information on risks and side-effects
Mareike Dittmer
Where textures meet surface, colours divide form, planes in space overlap, they are creating intervals rather than continuity. Frozen moments of attempts in classification, evoking impressions from natural science textbooks reloaded with a dash of magical thinking. Like a future past cocktail constructed from memories stored in chemical formulas. The prevailing shades of white are triggering lab associations, clinical test arrangements for a change of state to happen any moment. Coloured bars mimic diagrams. Molecular structures seem to improvise routes to equilibrium. Cuts disclose inner structures and patterns are luring like tentacles, linking chemistry to essence somewhere on the way into being.
The titles of the work underline the transitional character, the circling around the ‘enigmatic interstice of existence’ (Ena Oppenheimer) and the insistence on ambiguity and intuition as productive modes of questioning the so-called reality. It’s a path that leads along borderlines rather then into a centre, to moments of irritation and un- certainties, defying definition. Strange matter shimmering in pastel tubes is holding all the answers, available on prescription.
Zustandsvernderungen
oder
Zu Risiken und Nebenwirkungen
Mareike Dittmer
Strukturen, die auf Oberflächen sitzen, Flächen, die im Raum übereinandergreifen, Farbformationen, die Intervalle markieren, anstatt Kontinuität zu vermitteln. Eingefrorene Momente einer versuchten Klassifizierung, die naturkundlichen Lehrbüchern entlehnt scheinen, aufgeladen mit einem Schuss Magie. Ein Cocktail aus vergangenen und zukünftigen Erinnerungen, die in chemischen Formeln vorgehalten werden. Die vorherrschenden Weißschattierungen assozieren sich mit Vorstellungen eines Laboratoriums, klinische Versuchsanordnungen wartend auf eine Zustandsveränderung, die jeden Moment einsetzen kann. Farbbalken imitieren Diagramme. Molekulare Strukturen improvisieren Wege zu einem angestrebten Equilibrium. Einschnitte öffnen den Blick auf innere Strukturen und Muster locken mit Tentakeln, verbinden chemische und essentielle Momente einer Wesenwerdung. Die Titel der Arbeiten verstärken den Übergangscharakter, das Kreisen um den ‘rätselhaften Zwischenraum der Existenz’ (Ena Oppenheimer) und das Bestehen auf Mehrdeutigkeit und Intuition als produktiven Methoden, um die sogenannte Realität in Frage zu stellen. Es ist ein Pfad, der eher an den Grenzen entlangführt als zu einem Zentrum, mit Momenten der Irritation und Unsicherheit, eine eindeutige Definition verweigernd. Seltsame Materie, die in pastellfarbenen Reagenzgläsern alle Antworten bereithält; verschreibungspflichtig.
Something happened in 1976
(Ena Oppenheimer)
"The world is a relationship structure from which observers can't easily extract themselves" Prof. Dr. Hans-Peter Dürr, Physicist
I work with oils on canvas or wood. The material is a conscious decision because the question of how painting can represent the invisible realm of reality is at the centre of my work. My interest is in human thinking and I question the significance of human perception and consciousness as part of evolution. I work on fathoming out pictorially what living reality and the outer skin of things are made of; I want to make the way they really are, tangible. My pictures are the result of groping, or better, sensing painting. By superimposing many thin layers of paint, I get closer to the form and body of the subject of the picture.
Cuts through the body of physical reality give a clear view of the reality behind, which always remains a mystery to man. That's where the deep layers are found that make the stereoscopic vision, as Ernst Jünger described it, reachable. It's the vision in which a physical and spiritual pair of eyes simultaneously behold a scene. The observer steps outside the happening while, at the same time, being inseparably connected to it as part of the whole. One experiences multiple levels of reality simultaneously. The secret pattern, to which the things can be arranged, is only made visible by the complete view that stereoscopic vision provides.
As a second subject, the question of meaning of form plays an important role for me. Conversations about the formation of organic forms with the scientist and founder of biophysics Prof. Dr. Erich Sackmann, gave me strong impulses on this subject. Which forms does life produce? Is there an intelligent form? What meaning do forms have in evolutions? These are the questions of my current work.
Picture titles such as "Nineteenseventysix", "God is left-handed" or "Perception Error" are derived from a childhood experience I had at the age of four. In an accident, the blood vessels and tissue of my upper left arm were severed by a piece of shattered glass, giving a clear view of a strange inner world that, for me, transcended pure anatomy.
As a result of the concurrent perception of the materiality of the body and the deep view behind the purely physical, the pain subsided into the background. Through the incision, I saw my arteries, blood pumping and muscle tissue. But superimposed on all this were the plant-based organic forms and structures.The shock resulted in a state where I both existed and didn't exist at the same time, I dissolved and merged into the surrounding space. I experienced how contradictory possibilities can exist alongside each other. A stereoscopic perception. The mystery of my childhood.
My work is influenced by artists whose work evades rational thinking and nevertheless stands before us like a huge mountain of heavy material in diffuse light. I'm interested by the possibility of translating and transferring intellectual processes into art, as shown by Joseph Beuys or Matthew Barney. Max Ernst, Louise Bourgeois, Sarah Lucas, Trisha Donelly and Chantal Michel are also important impulses.
From very early on, art was adjudged to have the ability to influence the metaphysical processes. I think that the earliest cave paintings were ritual attempts to influence reality. They were intended to influence the forces of destiny and attract wild game that could be hunted. In quantum physics experiments, one came to realise that, by being present, an observer of a system also changes and influences the observed object. Which reality today's paintings yearn for, how today's wild game appears to art remains to be worked out.
And again and again, the quantum physicist Prof. Hans Peter Dürr, the former assistant to Werner Heisenberg, calls me with his statement: "There is no material, there is only form."
Something happened in 1976
(Ena Oppenheimer)
"Die Welt ist eine Beziehungsstruktur, aus der sich der Beobachter nicht problemlos herauslösen kann. “
Prof. Dr. Hans-Peter Dürr, Physiker
Ich arbeite mit Ölfarbe auf Leinwand oder Holz. Es ist eine bewusste Entscheidung für das Material, denn im Zentrum meiner Arbeit steht die Frage, wie die Malerei die unsichtbaren Bereiche von Wirklichkeit berühren kann. Mein Interesse gilt dem menschlichen Denken und ich frage nach der Bedeutung der Wahrnehmungsfähigkeit und des Bewusstseins des Menschen innerhalb der Evolution. Ich arbeite daran, die lebendige Wirklichkeit und die Oberfläche der Dinge malerisch zu ergründen und sie spürbar werden zu lassen. Meine Bilder sind das Ergebnis einer tastenden oder besser abtastenden Malerei. Durch das Übereinanderlegen vieler dünner Farbschichten nähere ich mich der Form, Farbtiefe und Körperlichkeit eines Bildgegenstandes.
Schnitte durch die physische Realität geben den Blick frei auf eine Wirklichkeit dahinter, die für den Menschen immer ein Mysterium bleibt. Dort finden sich die Tiefenschichten, die der „stereoskopische Blick“, wie ihn Ernst Jünger beschreibt, erreichbar macht. Es ist der Blick, bei dem gleichzeitig ein körperliches und ein geistiges Augenpaar eine Szenerie betrachtet. Der Beobachter tritt heraus aus dem Geschehen, und gleichzeitig ist er als Teil des Ganzen untrennbar damit verbunden. Er erlebt mehrere Wirklichkeitsebenen gleichzeitig.
Als zweites Thema spielt für mich die Frage nach der Bedeutung der Form eine wichtige Rolle. In Gesprächen mit dem Biophysiker Prof. Dr. Erich Sackmann, über die Entstehung organischer Formen in der Evolution erhielt ich starke Impulse zu diesem Thema. Welche Formen bringt das Leben hervor?, Gibt es eine intelligente Form?, Welche Bedeutung haben die Formen innerhalb der Evolution? Das sind einige Fragen zu den aktuellen Arbeiten.
Bildtitel wie „Nineteenseventysix“, „God is left-handed“ oder Perception Error“ leiten sich ab aus einem Kindheitserlebnis, das ich im Alter von vier Jahren hatte. Bei einem Unfall durchtrennte der Schnitt einer zersprungenen Glasscheibe Blutgefäße und Gewebe meines linken Oberarms, und gaben den Blick frei auf eine seltsame Innenwelt, die für mich das rein Anatomische überschritt. Durch die Gleichzeitigkeit der Wahrnehmung von Körpermaterialität und Tiefenblick hinter das rein Physische trat der Schmerz in den Hintergrund. Der Schock brachte mich in einen Zustand, in dem ich gleichzeitig existierte und nicht existierte, mich auflöste und mit dem mich umgebenden Raum verschmolz. Ich erlebte, wie sich widersprechende Möglichkeiten gleichzeitig nebeneinander existierten. Eine „stereoskopische Wahrnehmung“. Das Mysterium meiner Kindheit.
Meine Arbeit ist beeinflusst von Künstlern, deren Arbeit sich dem rationalen Denken entzieht. Mich interessiert die Möglichkeit der Übersetzung und Übertragung geistiger Prozesse in die Kunst, wie es Joseph Beuys oder Matthew Barney zeigen. Max Ernst, Louise Bourgeois, Trisha Donelly und Chantal Michel sind ebenfalls wichtige Impulsgeber.
Der Kunst wurde schon früh die Fähigkeit zugesprochen, in metaphysische Prozesse hineinwirken zu können. Ich denke, daß schon die ersten Höhlenmalereien kultische Versuche waren, auf die Wirklichkeit einzuwirken. Sie sollten die Gunst der Schicksalskräfte beeinflussen und jagbares Wild herbeibringen.
Interessant ist die Analogie zu quantenphysikalischen Experimenten, wo man zu der Erkenntnis kam, daß der Beobachter eines Systems schon allein durch seine Anwesenheit das beobachtete Objekt verändert und beeinflusst.
Welche Wirklichkeit die heutige Malerei herbeisehnt, wie das Wild für die Kunst heute aussieht, bleibt zu ergründen.
Und täglich fordert mich der Quantenphysiker Prof. Hans-Peter Dürr, ehemals Assistent Werner Heisenbergs, mit seinem Statement: „Es gibt keine Materie, es gibt nur die Form.“
Memories of 1976
(Ena)
i sit, a stone in the hand
inside is outside, outside becomes inside.
the stone loses its hardness, passes it to me.
my hand, my arm turn to stone,
then everything the other way around.
a change.
what is body, what is external?
i perceive the stone to be a part of me.
it’s part of my world because i’m holding it.
my world is in motion.
it’s pulsing.
to become and fade away.
the stone also lives. through me.
then i die and begin anew.
"CRAZYLAND"
INTERVIEW VON STEFAN SIEGFRIED, 2014
E--N--A, was ist „Crazyland“?
Das ist der Überbegriff für meine Arbeiten, für die Phase, in der ich mich gerade befinde. Der Begriff steht als Chiffre für eine Parallelwelt, die ab und zu zu uns durchbricht und versucht, mich einzufangen. Durchaus gewalttätig, brachial, manchmal aber subtil. Es ist schwierig, genau zu beschreiben, was da mit mir passiert, weil es sehr emotional ist.
In vier Bildern mit dem Titel „Trinity“ setzen Sie sich mit den Fotografien von Harold Edgerton, einem Pionier der Hochgeschwindigkeitsfotografie, auseinander. Edgerton hat im Jahr 1945 die ersten Sekundenbruchteile des weltweit ersten Atombombentests in der Wüste von New Mexico in den USA fotografiert? Was hat Sie an diesen Bildern fasziniert?
Ich sammle bis heute alle möglichen Dinge, die mich aus irgendeinem Grund, den ich anfangs selbst noch nicht so genau kenne, von der Form her ansprechen. Besonders interessieren mich Formen, die aus einem Punkt heraus- beziehungsweise in ihn hineindrängen. Die Fotografien der Atombombentests bildeten solche Formen ab und ließen mich meinem Impuls folgen und malen, ohne dass ich hätte sagen können, ob ich eine moralische oder eine politische oder sonst irgendeine Meinung zum Objekt gehabt hätte.
Sie übernehmen die Formen, die in den Fotografien vorgegeben sind. Was passiert dann? Wie entwickeln sich diese Motive weiter?
Die Fotos von Edgerton sind ursprünglich schwarz-weiß. Ich fand es zunächst einmal wichtig, die Bilder aus der Dunkelheit ins Helle zu drehen. Dann wollte ich wissen, wie das mit diesen seltsamen Löchern im Explosionskern funktioniert, mit den Formen, die da heraus drängen. Plötzlich entstand da etwas formal Zartes, das fast wie ein kleines, feines Lebewesen wirkt, sehr unschuldig. Ich habe also erst einmal die Schönheit dieses Gebildes wahrgenommen ohne schon zu erzählen, dass diese Schönheit genau das Gegenteil bewirkt. Die Öffnungen deuten ja an, dass da etwas Düsteres herauskommt, aber es ist eben noch nicht ganz klar, wo es hinführt.
In dem Bild der Atombombe ist ja alles drin. Das Atom als winziges Stück Materie, aus dem etwas Riesiges, etwas Ungeheures entstehen kann, das der Mensch nicht mehr im Griff hat. Durch die helle Farbgebung bekommen diese Motive aber auch etwas Rätselhaftes, Anziehendes.
Die erste Atombombe ähnelt in den ersten Millionstelsekunden ihrer Detonation einem sich in Entwicklung befindenden Lebewesen. Ihre Bestimmung läßt sich aus der äußeren Form nicht ablesen.
So beschreibt Oppenheimer die Explosion als unvorstellbare, vom Menschen kaum zu erfassende Schönheit (heller als tausend Sonnen) und er ist fasziniert von der immensen, aus sich selbst hervorgehenden Energie, die aber gleichzeitig größtmögliches Chaos und Zerstörung bedeutet. Im Moment der Transformation ist keine Wertung möglich.
In every beauty there is evil?
Ja, und umgekehrt.
Die Form ist also der Ausgangspunkt, der Anlass etwas zu malen oder sich auf andere Weise künstlerisch damit zu beschäftigen. Erst in der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Form entsteht in Ihren Arbeiten so etwas wie Bedeutung? Kann man das so sagen?
Ich denke schon. Ich suche nicht nach Inhalten, sondern ich lasse die Inhalte mich finden, indem ich zulasse, nicht sofort zu verstehen, warum mich etwas anzieht. Ich glaube, daß ich auf diese Weise viel mehr erfahren kann. Ich sehe eine eigenartige Form oder eine Spiegelung oder eine Oberfläche, ein Motiv, das mir zunächst keinen inhaltlichen Zugang bietet. Ich fotografiere es, nehme es mit, und erforsche es, befrage meine Neugier, wachse mit ihr und erweitere meine Wahrnehmung. Ein Bild kann dann zu einem Gegenüber werden, das mir z.B. sagt, daß es noch dauern kann, bis ich seine Bedeutung erkenne. Das mich nicht in Ruhe läßt, bis es fertig gewachsen ist und ich fertig gelernt habe. Das Malen und skulpturale Arbeiten ist für mich wie ein Abtasten der äußeren Welt, durch das ich hoffe, das Innere oder das sich daraus Entwickelnde zu finden.
Dann komme ich manchmal an einen Punkt, wo längst Gefundenes fast Vergessenes eine Lücke schließt, und neben der formalen die inhaltliche Ebene schlüssig wird. Dann fügt sich wieder etwas und ich habe das Gefühl, sehr reich zu sein.
Doppeldeutigkeit ist es, was mich aus der Balance bringt und womit ich mich beschäftige. Sie ist der Grund, warum ich überhaupt Kunst mache. Ich könnte auch etwas malen, was eindeutig ist, zum Beispiel könnte ich eine Frucht aufschneiden und sie abmalen. Aber das das ist nicht, wohin es mich zieht. Ich schalte alle Antennen an, auf der Suche nach etwas, das aussieht wie eine Frucht - aber keine Frucht ist.
Wie reagieren die Besucher Ihrer Ausstellungen?
Viele haben diese Doppeldeutigkeit wahrgenommen. Ein nicht nur positives Erlebnis. Meine Bilder wecken auch bedrohliche, unangenehme Gefühle. Man spürt, dass es nicht rein formale Malerei ist. Ob man will oder nicht, man wird eine inhaltliche Ebene spüren. Ob sie einem gefällt oder nicht, sie kommt einem nahe. Da ist ein Flirren.
Die Bilder zeigen Momente der Transformation?
Mich interessieren Übergänge. Der Moment der Transformation.
Ist in der äußeren Form eine Bedeutung ablesbar. Was verbirgt sich unter der Oberfläche. Was ist Oberfläche. Ist Materialität eine Illusion, da auch der härteste Stein zu Staub werden oder flüssig sein kann.
Es sind immer mehrere Ebenen gleichzeitig vorhanden, aber nicht gleichzeitig sichtbar oder wahrnehmbar. Es zeigt sich nur ein Aspekt. Der andere oder die anderen sind zwar vorhanden, aber erst im nächsten oder übernächsten Moment sichtbar.
Die meisten meiner Bilder zeigen den Moment des Übergangs zwischen zwei Stadien. Weder was vorher war, noch was hinterher passiert, ist klar. Das ist mein Thema. Die Auseinandersetzung mit der Doppeldeutigkeit ist das, was mich am Malen fasziniert. Und diese Doppeldeutigkeit nehmen auch die Betrachter meiner Bilder wahr.
My artistic effort is the cutting point between art and science. With my conceptional work and paintings I try to fathom the frontiers of human perception to find out what lies in this moment when human cognition touches the invisible surrounding world.
I am interested in the areas that humans know from science but which cannot be reached through sensation. For example, cosmologists assume that 85% of all matter is invisible and cannot be experienced by humans. They call this „Dark Matter“ and recently also „The Invisible“.
The awareness that humans customarily only experience reality by sensory perception and the question how this conception of reality could be moved forward, were the considerations I worked with in my latest projects.